Die Brüder Arturo und Roy Ambriz bringen die Kunst der Stop-Motion und ihre Liebe zum Fantasy-Horror mit „I am Frankelda“, das am 12. Juni auf Netflix debütiert, in neue Gefilde.
Die Geschichte spielt im Mexiko des späten 19. Jahrhunderts und dreht sich um Francisca, eine begabte Autorin düsterer Geschichten und fantastischer Charaktere. Doch nach dem Tod ihrer Mutter muss sie bei ihrer strengen Großmutter leben, die sie zwingt, nach ihren Regeln zu leben. Doch als sie zu einer jungen Frau heranwächst, wird klar, dass ihre Fantasie und ihr Bedürfnis, Geschichten zu schreiben, nie unterdrückt wurden. Und die Monster, die sie erschaffen hat, sind real – unter der Führung von Herneval, einem zwischen Träumen und Albträumen gefangenen Prinzen, findet Francisca ihre Stimme – Frankelda – und gewinnt ihre Macht als Geschichtenerzählerin zurück, während sie Herneval dabei hilft, die bösen Mächte zu besiegen, die seine Welt zerstören wollen.
„I am Frankelda“ verwendet die komplexeste und visuell beeindruckendste Stop-Motion-Technik in einer Geschichte über Empathie, Entschlossenheit und weibliches Selbstbewusstsein. Während der Kern der Stop-Motion-Animation ihr handgearbeiteter Look ist, ist beim Look von „Ich bin Frankelda“ mehr: mehr Textur, mehr Verzierung, in jedem Bild mehr zu sehen.
„Mein Bruder Roy und ich haben physische Objekte schon immer geliebt“, sagt Arturo bei einem Zoom-Anruf von ihrer Basis in Mexiko-Stadt aus – tatsächlich sitzen sie auf einer Couch mit Modellen von Frankelda und Herneval auf einem Tisch vor ihnen, herrlich taktile Skulpturen in ihrem Design und ihrer Ausführung. „Als wir Kinder waren, waren wir besessen davon, mit Spielzeug zu spielen, ins Theater zu gehen und Kunsthandwerk zu machen. Wir haben uns nie so sehr zu Videospielen oder digitalen Erlebnissen hingezogen gefühlt. Es macht uns wirklich Spaß, mit unseren Händen zu arbeiten und Texturen zu spüren.“
Er fügt hinzu: „Als Kind war Roy verrückt, denn wenn er ein Spielzeug bekam, musste er es aus jedem Blickwinkel betrachten und prüfen, ob es wie die echte Figur aussah oder nicht – und wenn das Spielzeug nicht detailliert genug war, schnappte er sich alle Materialien, die er im Haus hatte, um sie zu korrigieren, und baute dann Dioramen. Wir spielten jeden Tag mit Spielzeug, daher war es für uns ein häufiges Szenario, zum Beispiel zum 100. Mal „Space Jam“ im Fernsehen anzusehen und gleichzeitig damit zu spielen Als wir uns entschieden, Filmemachen zu studieren, war es für uns ganz natürlich, den Weg in Richtung Stop-Motion einzuschlagen, Puppen zu bauen, Bühnenbilder zu bauen, sie zu beleuchten und über die Art und Weise nachzudenken, wie die einzelnen Charaktere ausgedrückt werden würden. Das ist für uns einfach die Art und Weise, wie wir unsere Arbeit seit unserer Kindheit professionalisiert haben.“
„I am Frankelda“ markiert einen historischen Meilenstein als Mexikos erste abendfüllende Stop-Motion-Produktion, die von den Ambriz-Brüdern in ihrem in Mexiko-Stadt ansässigen Studio Cinema Fantasma entwickelt und produziert wurde.
Die Geschichte von Frankelda ahmt die Geschichte der Brüder nach, sagt Roy.
„Ich denke, dass dies eine wirklich persönliche Geschichte für uns ist. Sie könnte fast biografisch sein, denn während wir das Drehbuch schrieben, lebten wir in einer ganz ähnlichen Situation wie Frankelda. Es gab viele Produzenten, die uns sagten, dass wir nicht in der Lage sein würden, unseren eigenen Film zu produzieren, unsere eigenen Sachen zu kreieren. Sie sagten uns, wir sollten unsere Träume aufgeben“, sagt er.
Aber die Brüder blieben hartnäckig. „Wir waren wirklich frustriert, und wir waren wirklich wütend, und wir beschlossen, Frankelda diese Frustration zu überlassen, und es war eine Erleichterung für uns als Autoren, weil wir einen Heilungsprozess in Gang setzen konnten.“ Bei Herneval „ist er ein Prinz, in dem seine eigene Welt auseinanderbricht, er fühlt sich verantwortlich, seine Freunde, seine Familie und die Welt zu retten, und ich denke, dass Arturo und ich uns mit einem Stop-Motion-Studio in Mexiko genauso fühlen, weil es jeden Tag wirklich schwierig ist“, sagt Roy. Wie sollen wir die Miete bezahlen, unsere Künstler bezahlen? Er sagt: „Wir leben jetzt seit 15 Jahren in diesem Lebensstil, in dem man jeden Tag das Gefühl hat, dass der Traum auseinanderfällt, aber irgendwie haben wir es mit der Hilfe wirklich talentierter Freunde und Künstler geschafft, weiterzumachen. Ich denke, dass diese verschiedenen Elemente die Schlüsselpunkte bei der Entstehung dieser Geschichte waren, und es war auch eine Möglichkeit für uns, der Welt und den jungen Künstlern zu sagen, dass man seinen Träumen folgen sollte, und dass man als Autor, als Schöpfer wertvoll ist, und niemand kann einem sagen, dass man seinen Träumen nicht folgen kann.“ Träume.“
„I am Frankelda“ enthält auch Originallieder, wie in einem klassischen Musical. Aber es ist kein Disney- oder gar Tim-Burton-artiger Film mit den Hauptfiguren aus der Welt der Albträume und einer jungen Frau, die mit einer Kreatur, die wie eine Mischung aus Phönix, Katze und Pirat aussieht, an ihrer Seite um Akzeptanz kämpft und sich auch verliebt.
„Zuallererst lieben wir Musicals, gehen ins Theater und schauen uns Musicals an“, sagt Roy, „aber was uns immer wieder erstaunt, ist, wenn wir einen Backstage-Rundgang machen oder die Garderobe im Museum sehen können, all diese Details in jeder Phase und in der Entscheidung hinter jedem Stoff.“
Stoff und Silhouette wirken auf der Bühne zusammen, um dem Publikum einen unmittelbaren Eindruck davon zu vermitteln, wer eine Figur war. „Wir wollten diese Arbeit unbedingt an einer Silhouette machen, in der die Charaktere gut erkennbar sind. Einer ist blau, der andere ist rot, der Antagonist ist grün, also ist es sehr offensichtlich und in den Formen, aber wenn man in eine Nah- oder Halbbildaufnahme geht, hat man all diese Details, die einen über die Geschichte und den Hintergrund jedes Charakters informieren, ob er aus der Oberschicht, der Mittelschicht, der Unterschicht stammt, ob er höher aufsteigen will, als er derzeit ist, oder ob er es ist „Gleichzeitig wollten wir die Gesichter der Charaktere trotz all dieser Details so einfach und cartoonhaft wie möglich halten“, sagt Roy.
„Wir sind uns sehr darüber im Klaren, dass Stop-Motion manchmal befremdlich sein kann oder wegen all der Details und der Art und Weise, wie es irgendwie gruselig ist, zu schwer zu handhaben sein kann, aber wenn man es mit diesen Gesichtern in Einklang bringt, die sehr große und große Augen und sehr spezifische Gesichtszüge haben, kann man beide Welten vermischen“, fügt er hinzu.
Sie wurden vom Illustrator und Kupferstecher Gustave Doré aus dem 19. Jahrhundert inspiriert. „Seine Gravuren sind atemberaubend, denn sie wirken wie riesige monumentale Räume, die von der Natur und von Lebewesen aller Größen eingenommen werden. Seine Kunst vermittelt einem das Gefühl, einen Ort zu betreten, der nur in seinen Albträumen existiert“, sagt Roy. „Also haben wir eine Welt voller Monster geschaffen, die wir im Film nicht gesehen haben. Wir wollten eine Hochkultur der Monster schaffen, eine sehr raffinierte Kultur, in der es Düfte, Küche und Architektur gibt. Wir wollten dem gesamten Weltgebäude dieses Renaissance-Feeling verleihen.“
Herneval und seine Eltern – der König und die Königin – übermitteln Geschichten und Albträume durch Musik und Vibrationen in die physische Welt, indem sie eine wunderschöne Harfe verwenden, die wie ein Spinnennetz aussieht, die auch von einem „Brunnen inspiriert ist, der im Museum für Anthropologie in Mexiko-Stadt zu finden ist“, sagt Arturo. „Es gibt so einen tollen Stamm, der mit einer Decke und Wasserfällen verbunden ist, das ist wunderschön.“
Bei der größten Produktion arbeiteten etwa 120 Personen an dem Projekt. Zunächst erstellten sie die Gesichter von Frankelda, Herneval und anderen Charakteren von Hand. „Wir haben Formen hergestellt und diese dann aus Harz gegossen. So entstand die Serie und so begann der Film“, sagt Roy. „Aber später haben wir gelernt, wie man digitale Bildhauerei macht, und wir haben viel 3D-Druck für Sets und für die neuesten Charaktere eingebaut, aber es war ein Prozess und es ist immer eine Balance. Auch wenn man ein Gesicht in 3D druckt, wurde es von Hand bemalt und alle kleinen Federn wurden von Hand geklebt und geklebt und die Garderobe wurde von Hand zugeschnitten. Ich denke also, dass eine Balance zwischen der digitalen Welt und der physischen Welt, genau wie die Frankelda – die beiden Welten, die zusammenarbeiten – war das Schlüsselelement, um solch komplexe Produktionen wie diese zu bewältigen.“
Für die Brüder läuft alles auf reine Fantasie hinaus. „Wenn man einen Live-Action-Spielfilm macht, besetzt man meistens Menschen, also haben wir trotz unserer Rasse oder unseres Geschlechts alle die gleichen Charaktere. Aber der Vorteil von Stop-Motion und der Verwendung dieser Puppen besteht darin, dass man einen Elefanten und ein Insekt sprechen und interagieren lassen kann, also versuchen wir wirklich, diesen anderen Maßstab und diesen Unterschied in der Farbe und in der Textur zu schaffen. Wenn wir in Museen gehen und die Skulpturen sehen, würden wir es lieben, wenn sie sich bewegen würden. Wir würden liebend gern sehen, wie sich die Ballerina von Degas bewegt und gleichzeitig.“ Zeit würden wir gerne ein experimentelles Stück in Bewegung setzen – oder was würde passieren, wenn eine Van-Gogh-Figur aus der Leinwand herauskommen könnte? Welche Textur hätte sie?“ sagt Arturo.
„Für uns ist die Produktion dieser Art von Filmen eine unglaubliche Erfahrung.“