Die Boomer der 70er-Jahre-Bands warten immer noch darauf, von der jüngeren Generation entdeckt zu werden

In den 1970er-Jahren kam es zu einem rasanten Aufschwung neuer Bands in der Musikszene, daher ist es keine Überraschung, dass einige der Boomer-Lieblinge schließlich im Trubel untergingen. In diesem Jahrzehnt erlebten Reggae, Soft Rock, Heavy Metal, Disco und andere aufkommende Stilrichtungen den Mainstream-Aufstieg, und trotz jeder bleibenden Ausnahme innerhalb ihres Genres gerieten unzählige andere Bands in Vergessenheit. Jetzt, wo jüngere Generationen fast die gesamte Musikgeschichte zur Hand haben, konnten mehr von ihnen als je zuvor einen Blick zurück werfen und einige der größten des Jahrzehnts entdecken. Aber es gibt mehr zu finden als nur die Hits und ebenso mehr als nur die Hitmacher.

Hier entdecken wir einige dieser verborgenen Schätze, die die Welt noch einmal bestaunen kann. Einigen, wie Foghat, gelang zumindest ein einziger Treffer. Andere schafften es in den Charts überhaupt nicht weit nach oben, sondern machten sich einen Namen, indem sie Kultstatus erlangten oder ihre erfolgreicheren Mitstreiter beeinflussten. Hier sind einige der Bands, die die 70er-Jahre hart rockten, aber von der jüngeren Generation noch nicht entdeckt wurden.

Die wohl am meisten nachzuweisende Leistung der 70er-Jahre-Funk-Boogiers Little Feat ist heutzutage ein Jimmy Page-Rolling-Stone-Interview aus der Blütezeit der Band, in dem er sie als seine „amerikanische Lieblingsgruppe“ lobt. (Und in typischer Rockstar-Prahlerei fügt er hinzu: „Der Generalstaatsanwalt wohnt eine Etage darüber [at the Plaza Hotel] „Ich habe mich gestern Abend darüber beschwert, dass ich Little Feat-Platten zu laut gespielt habe.“ Er war wirklich ein Fan. Abgesehen davon hat die Gruppe nicht das Durchhaltevermögen anderer jazziger Swamp-Rocker ihrer Zeit wie die Allman Brothers oder die Marshall Tucker Band erreicht, was schade ist, denn Little Feat rockt wirklich.

Es sollte angemerkt werden, dass Little Feat im Jahr 1969 gegründet wurde, die prominenteste sechsköpfige Besetzung der Band jedoch im Jahr 1972 entstand, und diese Besetzung sollte der Band viel zu früh zum Verhängnis werden. Frontmann Lowell George begann mit der Zeit das Interesse an der Gruppe zu verlieren, und gepaart mit Spannungen mit Kollegen wie Bill Payne und seinem eigenen schlechten Gesundheitszustand ging er 1978 alleine, bevor er ein Jahr später auf tragische Weise starb. Während der Jahre bei Lowell veröffentlichte Little Feat fast jedes Jahr ein Album, und obwohl Kritiker und Musikerkollegen das Werk lobten, verhinderten Albumverkäufe und das fast völlige Fehlen von Singles in den Charts, dass die Gruppe wirklich berühmt wurde. Als Fallstudie könnte man sich Little Feats lebenslustiges Original „Dixie Chicken“ ansehen, das 1973 als Single erschien und nie in die Charts kam. Als Garth Brooks 20 Jahre später ein Cover aufnahm, war der Song noch nicht einmal eine Single und schaffte es dennoch auf Platz 73 der Charts.

Während Foghats Megahit „Slow Ride“ aus dem Jahr 1975 bis weit in die Neuzeit Bestand hat, ist seine Langlebigkeit ein Paradebeispiel dafür, dass ein Song selbst ohne die Band, die ihn geschaffen hat, Bestand hat. Obwohl weder Foghat noch seine Mitglieder bekannte Namen sind (fragen Sie einen Fremden, ob er weiß, wer Gene Simmons ist, und fragen Sie dann nach Foghat-Frontmann Lonesome Dave Peverett), ist die größte Single der Gruppe bis heute absolut überall. „Slow Ride“ ist ein fester Bestandteil des klassischen Rockradios, erschien in mehreren Filmen und Fernsehserien, wurde in den „Guitar Hero“-Videospielen gezeigt und war in unzähligen Werbespots zu sehen. Für den Großteil der Welt ist es das Ausmaß der Existenz von Foghat.

Zweifellos verdient „Slow Ride“ seine Lorbeeren dafür, dass es eine Hymne auf einen bestimmten Teil des 70er-Jahre-Lebens darstellt, aber Foghats lange Diskografie bietet noch viel mehr. Andere Singles wie „I Just Want to Make Love to You“ und „Fool for the City“ haben die ganze Energie, Eingängigkeit und einfallsreiche Struktur von „Slow Ride“, und der umfangreichere Katalog der Band bietet darüber hinaus noch mehr. Nicht-Singles wie „Home in My Hand“ und „Fly by Night“ scheinen fast dazu bestimmt zu sein, Hits zu werden, obwohl sie es nie geschafft haben, was zeigt, wie viel mehr als ein One-Hit-Wonder Foghat hätte sein können. Da nur noch ein ursprüngliches Mitglied übrig ist, wird die künftige Anerkennung des Acts leider fast ausschließlich posthum erfolgen.

Im Nachhinein ist Big Star eine der eher ironisch benannten Bands im klassischen Rock-Kanon (ebenso wie das miserabel verkaufte Debüt der Gruppe „#1 Record“). Das liegt nicht daran, dass die Mitglieder es nicht verdient hätten, selbst Stars zu sein, sondern daran, dass eine Reihe externer Faktoren zusammenwirkten, um die Pop-/Proto-Alternative-Rocker von ihrer wohlverdienten Anerkennung abzuhalten. Als „#1 Record“ veröffentlicht wurde, wurde es von den Kritikern aufgefressen. Aber dank einer Kombination aus Missmanagement des Plattenlabels Ardent und des Vertriebs Stax erhielt das Album wenig Marketing und erreichte nicht einmal viele der Plattenläden, in denen es sonst möglicherweise ausverkauft gewesen wäre. Von da an wurde die Gruppe von einem Problem nach dem anderen heimgesucht, einschließlich der Abgänge von Mitgliedern und der nachfolgenden Alben, die mit den gleichen labelbedingten Fehlern konfrontiert waren wie zuvor. Ende der 70er Jahre war auch Big Star zu Ende.

Trotz des großen Talents als Songschreiber, insbesondere der Mitglieder Alex Chilton und Chris Bell, starb Big Star vor seiner Zeit. Dennoch lebte der Geist der Band in Form von Einfluss auf eine Vielzahl zukünftiger Gruppen weiter, am offensichtlichsten bei den Replacements, die einen Song mit dem einfachen Titel „Alex Chilton“ veröffentlichten. So unterschiedliche Acts wie Primal Scream, Counting Crows und Kiss haben Big Star als direkte Einflüsse genannt. REM-Gitarrist Peter Buck erklärte den Einfluss der Band am besten, als er (via Concord.com) sagte: „Big Star diente als Rosetta Stone für eine ganze Generation von Musikern.“

Die Geschichte der kanadischen Space-Rock-Band Klaatu ist eine der seltsamsten und unglaublichsten ihrer Zeit, sogar seltsamer als der jenseitige, progressive Stil der Gruppe. Das Debütalbum der Band aus dem Jahr 1976, „3:47 EST“, zog genug Vergleiche mit den Beatles auf sich, um der Band den Spitznamen „die kanadischen Beatles“ einzubringen, was je nach Kontext normalerweise ein Segen oder ein Fluch wäre. Für Klaatu war es beides und noch mehr.

Teilweise aufgrund ihres zugegebenermaßen sehr Beatles-artigen Sounds (siehe unter anderem „Sub-Rosa Subway“ und „All Good Things“) und der ungewöhnlich großen Rätselhaftigkeit, die die Namen und Hintergrundgeschichten der Bandmitglieder umgibt, entstand eine bizarre Fan-Theorie, die behauptete, Klaatu seien tatsächlich die Beatles, die es unter einem neuen Namen versuchten. Obwohl es zu einem anfänglichen Anstieg von Klaatus Albumverkäufen führte, wurde das Gerücht schließlich zu einem Hauptfaktor für den Untergang der Band. Nachdem sie ihre wahre Identität herausgefunden hatten, bezeichneten verschiedene Medien und Fans die Band als Betrüger und Betrüger. Die Plattenverkäufe gingen stetig zurück, bis sich die Band 1982 auflöste.

Es ist eine Schande, dass sich Klaatus Medienberichterstattung im Laufe der Jahre größtenteils um die „geheimen Beatles“-Gerüchte drehte, denn hinter all dem steckte eine talentierte Band, die ansteckenden, charmanten Pop-Rock nahtlos mit Weltraum-Psychedelik vermischte. Songs wie „True Life Hero“ und „Madman“ zeigen die Fähigkeit der Gruppe, Zuhörer auf Reisen in den entlegensten Kosmos mitzunehmen, bevor sie zu wirklich eingängigen, klatschwürdigen Refrains nach Hause zurückkehren. Klaatus relativ obskurer Katalog hat viel zu lange auf eine breitere Entdeckung gewartet.

Wishbone Ash ist eine dieser Rockbands, die Gitarristen und andere Musiker vielleicht kennen, die Öffentlichkeit jedoch größtenteils nicht. Diese Unwissenheit scheint im Laufe der Jahrzehnte immer größer zu werden und die Gruppe inmitten ihrer eigenen, erfolgreicheren Erben unterzugehen. Die Geschichte von Wishbone Ashs Aufstieg, Einfluss und Kultstatus war schon immer mit dem Gitarrenspiel der Band verbunden, insbesondere mit den beiden Leadgitarren Ted Turner und Andy Powell.

Es war Powells Spiel, das die Aufmerksamkeit der Gitarrenlegende Ritchie Blackmore auf sich zog, deren Verbindungen Wishbone Ash seinen ersten Plattenvertrag einbrachten. Der Duellstil von Powell und Turner trug dazu bei, mit „Argus“ von 1972 mindestens ein Meisterwerk zu schaffen, und inspirierte schließlich Künstler wie Iron Maiden, Judas Priest, Thin Lizzy und mehr. Trotz alledem hat Wishbone Ash, liebevoll „The Ash“ genannt, immer nur eine bescheidene Anhängerschaft eingefleischter Anhänger gehabt, was vor allem auf den üblichen Cocktail aus Drogen, Fehden und Rechtsstreitigkeiten in der Musikindustrie der 70er Jahre zurückzuführen ist.

Für alle in der jüngeren Generation und insbesondere für Gitarristen, die auf der Suche nach einem versteckten Juwel sind, von dem sie sich inspirieren lassen können, ist „Argus“ von Ash ein perfekter Einstieg. Songs wie „Sometime World“ haben die fieberhafte Präzision von Rush in ihrer besten Form, während Tracks wie „The King Will Come“ irgendwie sowohl an King Crimson als auch an Lynyrd Skynyrd erinnern. Die DNA der Asche scheint sich in der gesamten Gesteinswelt verbreitet zu haben, sowohl so integral als auch für das bloße Auge unsichtbar wie die tatsächliche DNA.