Von dem Moment an, als er „Summer of Soul (…Or, When the Revolution Could Not Be Televised)“ veröffentlichte, war klar, dass Ahmir „Questlove“ Thompson ein geborener Dokumentarfilmer war. Aber Questloves Musikfilme haben eine besondere Qualität, die erst in seinem zweiten Film „Sly Lives! (auch bekannt als The Burden of Black Genius)“ voll zur Geltung kommt. Und noch mitreißender habe ich es in „Earth, Wind & Fire (To Be Celestial vs That’s the Weight of the World)“ gespürt, dem Questlove-Klang, der heute Abend das Tribeca Festival mit einem Ton von mitreißender Nostalgie, aber zeitloser Freude eröffnete.
Was Questlove in seine Filme einbringt, ist nicht nur seine Einstellung als Musiker, sondern auch als Gelehrte von Haustiergeräuschen. Er kennt und versteht die Musik von innen heraus, wie jede Note davon durch unsere Lustzentren widerhallen kann. Und das hat im Fall von Earth, Wind & Fire eine einzigartige Resonanz, da ihre Musik eine eigene köstliche Synthese war (wie Lionel Richie es im Film ausdrückt: „Der Funk war der Funk, aber der Akkorde waren Jazz, Klassik. „Inzwischen sitzt es auf diesem afrikanischen Stammes-Beat“). EWF schufen einige der ekstatischsten Songs ihrer Zeit (ihre geheime Soße war die Fusion von Funk/Soul). Und Pop) und Questlove beleuchtet diese Magie.
Ich mag es immer, wenn eine Musikdokumentation die Stimmen von Kritikern enthält (wie es Lisa Cortés in „Little Richard: I Am Everything“ tat). Und obwohl es in „Earth, Wind & Fire“ keine offiziellen Musikkritiker gibt (obwohl es viele lebhafte Kommentare von Leuten wie Barack und Michelle Obama und Jimmy Jam sowie Stevie Wonder und Flea gibt), füllt Questlove diesen entscheidenden Raum auf eine andere Art und Weise. Die wichtigste kritische Stimme im Film ist sein. Er analysiert die Musik, fängt das Kühne und Schöne daran ein, hinterfragt, wie sie klang und was sie bedeutete, und das tut er mit jedem Schnitt und jedem Nadelstich und mit tadellos beobachteten Details darüber, wie die Musik entstanden ist (die Top-Schnittmeister des Films sind Andrew Morrow, Matt Cascella und Tim Ziegler). Als Dokumentarfilmer ist Questlove kein Innovator; er ist ein Klassizist, in seiner Herangehensweise fast konventionell. Dennoch ist er ein so scharfsinniger Regisseur, der sein Thema so mitreißend versteht, dass er das Publikum direkt in die Musik hineinziehen kann.
Das ist bei Earth, Wind & Fire sehr wichtig, denn so beliebt und geschätzt die Gruppe auch immer war – sie verkauften 100 Millionen Alben, hatten 16 Top-40-Singles und gewannen sechs Grammys –, aus irgendeinem Grund haben EWF nie ganz den Platz in der kritischen Kanon eingenommen, den sie verdient haben. Deshalb sage ich das. Der Anführer von Erde, Wind und Feuer, bis zu dem Punkt, der er war stets Seine Gruppe war Maurice White, der Schlagzeuger, Leadsänger, Komponist und Produzent, der EWF zusammenstellte und sie mit einer virtuosen Vision leitete. Der 2016 verstorbene White war ein Pop-Soul-Gigant. Wenn Sie jedoch die folgenden Künstler auflisten würden – James Brown, Ray Charles, Stevie Wonder, Marvin Gaye, Sly Stone, George Clinton, Michael Jackson, Prince –, bezweifle ich, dass es viele gibt, die protestierend aufspringen und sagen würden: „Wo ist Maurice White auf dieser Liste?“ Er war der Gewalt von Earth, Wind & Fire, aber ein Teil seines Plans für die Band bestand darin, sie als Kollektiv zu präsentieren. Und obwohl White ein sexy Typ war, war er nicht unbedingt sexy wie ein Rockstar (wie es die anderen Künstler waren). Mit seinem zurückweichenden Haaransatz und seinem liebenswürdigen Grinsen hatte er die Qualität eines verherrlichten Jedermanns; Er wirkte wie die Backstage-Seele Wissenschaftler von EWF, nicht der Halbgottstern. Aber er war ein Vorbild des Genies. Und in „Earth, Wind & Fire“ erzählt Questlove die Geschichte der Band und die von Maurice White auf eine Weise, die gleichzeitig spannend und eindringlich ist. Er fängt ihren rechtmäßigen Platz im Pop-Kosmos ein.
White wurde 1941 in Memphis als Sohn einer 17-jährigen alleinerziehenden Mutter geboren, die ihn verließ, um nach Chicago zu gehen, als er gerade fünf Jahre alt war. Er wurde von jemandem namens Big Mama großgezogen, aber das Trauma, verlassen zu werden, ließ ihn nie los. Zehn Jahre später zog er zu seiner Mutter nach Chicago, wo sie eine weitere Familie hatte; plötzlich hatte er acht Brüder und Schwestern. Er schloss sich der Chicagoer Musikszene an und wurde Hausschlagzeuger bei Chess Records (wo er mit dem Komponisten und Produzenten Charles Stepney zusammenarbeitete, der später bei EWF mitwirkte). Dies führte dazu, dass er im Alter von nur 15 Jahren dem Ramsey Lewis Trio als Schlagzeuger beitrat.
White schrieb Jingles für Werbespots (ein Auftritt, der seine zukünftigen Kompositionen ebenso prägte wie Lou Reeds Versuch, Pop-Songs bei Pickwick Records zu schreiben). Doch obwohl er nun einen geschätzten Platz in der Jazzwelt innehatte, verließ er alles, um nach LA zu ziehen und seinen Traum von einer Band namens Earth, Wind and Fire zu verwirklichen, die er nach Elementen in seinem Horoskop benannte (und „Air“ in „Wind“ änderte). White interessierte sich für Astrologie, Meditation, Numerologie, Ägyptologie und viele Hippie-Metaphysiker, die in den 70er Jahren in Kalifornien ihre Blütezeit erlebten. Was er annahm, war die Vision dahinter – das utopische Bild einer Welt, die seine mehrköpfige Band zum Ausdruck bringen würde. Das Original „Earth, Wind and Fire“ war jazzig und frei; Sie klangen wie Sly and the Family Stone gekreuzt mit Sun Ra. Aber White, der sich nach Erfolg sehnte, erkannte, dass sie nirgendwohin führten, also feuerte er die gesamte Band und startete sie neu, begann von vorne (und nutzte jetzt zwei seiner Geschwister).
Der neue EWF fand buchstäblich seinen Groove während einer Aufführung im Uptown Theatre in Chicago, wo White begann, die kleine afrikanische Harfe namens Kalimba zu spielen, und der Rest der Musik darüber gelegt wurde. In der Dokumentation sieht man, wie sie und die Menge Feuer fangen. Doch selbst das war nur der Grundsound. Es gibt einen großartigen Clip des frühen Hits der Gruppe, „Mighty Mighty“, der zu Tanzbewegungen in „Soul Train“ inspiriert, aber zu der Erde, dem Wind und dem Feuer, die wir kennen, wurden sie erst 1975, als White eingeladen wurde, den Soundtrack für einen Film mit dem Titel „That’s the Way of the World“ aufzunehmen. Er holte Charles Stepney als Mitwirkender beim Komponieren und Arrangieren hinzu, und wenn man sich den Titelsong anhört, ist es atemberaubend, weil man buchstäblich eine ganz neue Welt hört. Der Ton ist ein Balsam. Und der Text, der diesen durchdringenden Kadenzen gegenübergestellt wurde („Das Kind wird geboren, mit einem Herzen aus Gold, / Der Weg der Welt macht sein Herz so kalt“), war die gesamte Ära der Bürgerrechte, zusammengefasst in zwei Zeilen, die sich auf ihre Weise so transformativ anfühlten wie eine Rede von MLK.
Auf demselben Album war „Shining Star“, und wenn Sie den Unterschied zwischen Sly and the Family Stone und Earth, Wind & Fire hören möchten, ist er genau in diesem Song zu finden. Der Groove von „Shining Star“, der auf diesem Chicken-Scratch-Intro aufbaut, ist fieser Hot-House-Funk; Es ist purer Sly. Aber wenn ja gewesen ein Sly-Song, es wäre einfach so weitergegangen. Die EWF-Stimmung setzt während des Refrains ein („You’re a shining star, egal who you are“), wobei die Akkorde plötzlich hin und her hüpfen und miteinander reden, als ob sie Glückspillen nehmen würden. Der Vers ist an die Erde gebunden; Der Refrain gleitet wie eine 747. Im Film schockiert Stevie Wonder Questlove, der ihn interviewt, als Wonder zugibt, dass „I Wish“, das ein Jahr später herauskam, stark von „Shining Star“ beeinflusst wurde. Man kann es hören; Aber wie oft hört man Stevie Wonder zugeben, dass er jemanden betrogen hat?
Es war Whites Traum, den er verwirklichte: „Earth, Wind & Fire“ sollte größer, enger, entrückter, melodisch großartiger werden und die kosmischen Wunder des Afro-Futurismus stärker umfassen (ihre Albumcover ähnelten afrozentrischen Dioramen, gekreuzt mit außerirdischen Besuchen), in immer spektakuläreren Kostümen, die ihre Brust entblößten. Er fügte eine Bläsersektion hinzu und peppte die Bühnenshow der Gruppe auf, indem er George Faison, den großen Broadway-Choreografen von „The Wiz“, rekrutierte, um ihre Bewegungen zu orchestrieren, und Doug Henning, den herausragenden Zauberer der Welt, um Stunts wie Verdine White, den Löwenbassisten der Gruppe, zu kreieren, der auf seiner Seite schwebte, während er weiterhin Bass spielte (eigentlich ein erstaunlicher Effekt). Das war ein transzendentes Spektakel. Und zu den Künstlern, die kamen und sich alles ansahen, gehörten Michael Jackson (der mit einem Notizblock zu einer Show kam, um Ideen aufzuschreiben) und Prince.
Maurice White predigte eine New-Age-Vision ohne Drogen und Alkohol, aber wir bekommen einen faszinierenden Einblick in seine Komplexität von seiner langjährigen Partnerin Marilyn White, die ihn immer noch mit Zuneigung betrachtet. Im letzten Drittel des Films beginnt sich seine problematische Seite einzuschleichen. Er war ein Trottel, der auf seinem Recht bestand, auf der Straße zu schlafen („Ich bin ein Star“, sagte er zu Marilyn). Er hatte mehrere uneheliche Kinder und behandelte die anderen Bandmitglieder immer ausbeuterischer, indem er sie chronisch unterbezahlte und ihnen Kredite verweigerte. Philip Bailey, der großartige EWF-Sänger mit einer strahlenden Sternstimme, spricht erfrischend offen darüber, wie wütend er auf White war. Und der ganze Film ist zwar geradezu feierlich, wenn es um die Musik von EWF geht, fällt aber nicht in die Kategorie der Musikdokumentation als Wohlfühl-Hagiographie. Questlove ist zu sehr Humanist, um die Widersprüche von Maurice White sanft in die Pedale zu treten. Sie machen die Geschichte, die der Film erzählt, nur noch unauslöschlicher.
Irgendwann kam White zu der Überzeugung, dass er von Außerirdischen besucht wurde. Das war Teil seiner mystischen 70er-Jahre-Attitüde, aber dem Film zufolge entstand zum Teil aus dieser Überzeugung heraus das Lied „Fantasy“, das mir die Augen öffnete, da es mein Lieblingslied von „Earth, Wind & Fire“ ist. Questlove lässt es über den Abspann laufen (siehe seine übernatürliche Schönheit). Allerdings hat er Recht, wenn der Film in einer herrlichen Gruppenmeditation über die Majestät von „September“ gipfelt, den er als den Inbegriff des EWF-Songs darstellt. Schauen Sie sich einfach diese Sequenz an! Es ist so ein toller Song, aber auch ein mitreißender Film, der einem Pop-Wunder gerecht wird.