Vergessen Sie die Charts – Kritiker sagen, dies seien die 5 erfolgreichsten Solokarrieren der 70er Jahre gewesen

Da wir die 1970er-Jahre schon lange im Rückspiegel haben, stechen bestimmte Solokünstler offensichtlich heraus, nicht unbedingt aufgrund ihrer damaligen Chart-Charts, sondern aufgrund der Art und Weise, wie ihre Musik immer noch relevant ist, wie einflussreich sie geblieben ist und wie diese Musiker die Songkunst revolutioniert haben. Es gibt viele Gründe, warum Künstler von der Kritik geschätzt werden, auch wenn sie nicht alle Nr.-1-Hits hatten – nicht, dass sie das nicht auch haben könnten; Einige taten dies – aber das ist nicht das einzige Kriterium, das wir als Erfolgsmerkmal betrachten, während wir uns mit einigen der von der Kritik gefeierten Solokünstlern der 70er Jahre befassen.

Die Musiker hier brauchen keine Vorstellung, aber wir werden ihre Herangehensweise an ihr Handwerk hervorheben und wie die Ergebnisse dazu beigetragen haben, die Popkultur zu prägen, denn während Captain und Tennille 1975 am längsten den ersten Platz innehatten, hatten diese Katzen keinen wirklichen Einfluss, anders als Neil Young, Joni Mitchell, David Bowie, John Prine oder Marvin Gaye. Was diese legendären Solokünstler in den 70er Jahren so erfolgreich machte, waren mehrere hoch angesehene Alben, die die Bewunderung von Kritikern, anderen Musikern und dem Publikum gleichermaßen erregten und oft die Art und Weise beeinflussten, wie wir über uns selbst und die Welt um uns herum dachten. Noch heute wird von diesen Künstlern mit Ehrfurcht gesprochen. Billboard-Hits kommen und gehen, aber Durchhaltevermögen und musikalischer Einfluss sind die wahren Merkmale des Erfolgs.

Obwohl Marvin Gaye seit 1961 bei Motown war und in diesem Jahrzehnt ein erfolgreicher Hitmacher war, war er Anfang der 70er Jahre bereit, seine musikalischen Fähigkeiten zu erweitern und sich dem Schreiben persönlicherer und bedeutungsvollerer Songs zu widmen. Erschüttert durch den andauernden Vietnamkrieg und die aktuellen gesellschaftlichen und ökologischen Probleme schuf er sein 11. Album „What’s Going On“, das großen Kritiker- und kommerziellen Erfolg hatte und dessen Einfluss auf die Kunst als gesellschaftlicher Kommentar nicht hoch genug eingeschätzt werden kann. Ein weiterer Aspekt, der es so herausragend machte, war, dass es sich um eine neue Art von Platte eines schwarzen Künstlers handelte, und Gaye hat sie sowohl geschrieben als auch produziert und damit sein kreatives Können unter Beweis gestellt. Die Songs sind zielstrebig und klingen als Ganzes wie ein perfekt kuratierter Wandteppich.

In den 70er Jahren veröffentlichte Gaye mehrere weitere Alben, darunter das von der Kritik gefeierte „Let’s Get It On“ von 1973, das die Rock & Roll Hall of Fame als „stimmungsvolles Meisterwerk“ bezeichnete und sich mehr mit Gayes sinnlicher Seite befasste. Wie die BBC jedoch feststellte, ist „‚Let’s Get It On‘ ein ikonisches, hinreißendes Werk, das jedoch sehr stark von Gayes Zweifeln und Unsicherheit geprägt ist“, auch weil Gaye mit „What’s Going On“ den Höhepunkt des Erfolgs erreicht hatte und es schwer war zu wissen, wohin es von da an gehen sollte. Variety sagt, dass „‚What’s Going On‘ den Sound von R&B für immer verändert hat“, und dieser Einfluss, gepaart mit der Zeitlosigkeit des Albums, ist kaum zu übertreffen.

1971 veröffentlichte Joni Mitchell ihr bahnbrechendes viertes Album „Blue“, eine zutiefst persönliche Platte, die ihr viel Lob von der Kritik einbrachte. Sie war bereits als Dichterin mit Engelsstimme im Folk-Rock bekannt, aber in den 70er Jahren begann Mitchell mit „Blue“ neue Wege mit ihrer Musik zu erkunden, indem sie mehr Jazz-Platten aufnahm und mit ihrem lyrischen Inhalt experimentierte. 1974 hatte sie mit „Help Me“ aus ihrem Album „Court & Spark“ ihren größten Billboard-Hit. Diese Single landete auf Platz 7, aber Mitchells Schaffen war nie so sehr auf kommerziellen Erfolg ausgerichtet, sondern vielmehr ein aufrichtiger Ausdruck ihres Könnens. Kritiker bemerkten dies vor allem in den 70er Jahren.

Wie Pitchfork betont, folgt Mitchell „folgen“.[ed] Ihre Muse“ und ihre ersten zehn Alben, von denen die meisten aus den 1970er-Jahren stammen, gehörten zu den besten aufeinanderfolgenden Veröffentlichungen aller Künstler: „Mitchell war die erste weibliche Autorin des Pop, eine Erfinderin mit einzigartigem Talent, deren Einfluss enorm, unmittelbar … und lang anhaltend war.“ Pitchfork-Autorin Jessica Hopper wies 2012 darauf hin, dass Mitchells Einfluss auf die moderne „Kiss ‘n’ Tell Cottage-Industrie“ immer noch bei Künstlern wie Taylor Swift zu sehen ist und St. Vincent.

Mitchell sagte im Jahr 2022, dass ihre Alben ihrer Meinung nach zwar von der Kritik gelobt wurden, ihnen aber aufgrund der männerdominierten Musikindustrie der 70er Jahre nicht die Aufmerksamkeit des Mainstreams zuteil wurden, die sie hätten haben sollen, und sagte: „Die Leute dachten, es sei zu intim … Ich denke, es hat die Leute nervös gemacht“ (via BBC). Sie wusste jedoch zu schätzen, dass neue Generationen, die von ihrem Songwriting beeinflusst wurden, sich leichter mit ihren Emotionen auseinandersetzen können.

John Prine könnte man als den Songwriter eines Songwriters bezeichnen, die Art von Künstler, die diejenigen, die das Handwerk verstehen, als authentisches Talent erkennen. Seine musikalische Herkunftsgeschichte unterstreicht dies. Interessanterweise wurde erstmals 1970 von Roger Ebert über ihn berichtet – ja, der Filmkritiker, der Prine sah, wo er als 23-jähriger Postbote regelmäßig in einem kleinen Veranstaltungsort in Chicago auftrat. Er hatte bereits einige seiner beliebtesten Songs geschrieben, wie „Angel From Montgomery“ und „Your Flag Decal Won’t Get You Into Heaven Anymore“.

Auch der legendäre Songwriter Kris Kristofferson hatte von Prine gehört und besuchte ihn 1971 in Chicago in dem kleinen Club, in dem Prine regelmäßig auftrat. Kristofferson, den Prine gegenüber Billboard als „heißer als eine Zwei-Dollar-Pistole“ beschrieb, wusste, dass er etwas Neues und Außergewöhnliches in Prine gehört hatte und nahm ihn unter seine Fittiche. Später in diesem Jahr veröffentlichte Prine seine erste selbstbetitelte Platte, gefolgt von drei weiteren Alben in den Jahren 1972, 1975 und 1976 und vielen weiteren über die 70er hinaus hinaus.

Prine war nie ein Mainstream-Hitmacher, aber Terry Roland vom San Diego Troubadour beschrieb ihn im Jahr 2020, dem Jahr seines Todes, als „einen zeitlosen Gesellen, der mit trügerischer Einfachheit über die menschliche Erfahrung berichtete. Er brachte uns zum Lachen, Weinen, Nachdenken und Gefühlen und verlieh einzigartigen Sängern wie Bette Midler („Hello in There“), Bonnie Raitt („Angel From Montgomery“), Johnny Cash („Paradise“) und George Strait den Atem („I Just Want to Dance With You“) war durch die Kraft seiner Worte und die einzigartigen Exzentrizitäten in seinem Geist die Verkörperung von drei Akkorden und der Wahrheit.

Neil Young wurde erstmals in den späten 60er-Jahren als Mitglied von Buffalo Springfield bekannt, seine Soloarbeit in den 70er-Jahren wird jedoch oft als sein Lieblingsstück angesehen. Young veröffentlichte 1970 „After the Gold Rush“, das Classic Album Sundays als „vielleicht sein erstes wahres Meisterwerk“ bezeichnete, aber das Album hatte keinen Mainstream-Erfolg und der Rolling Stone verwarf es zunächst. Heute gilt es jedoch als eines der besten des Jahrzehnts und enthält Songs wie „Southern Man“ und „Only Love Can Break Your Heart“. „Harvest“ aus dem Jahr 1972 festigte seinen Ruf als von der Kritik gefeierter Solokünstler, auch wenn der Rolling Stone diese Platte bei ihrer Erstveröffentlichung ebenfalls nicht mochte. Unterdessen bezeichnete Guitar.com das Album im Jahr 2021 als „ein Werk des Genies“, was interessant ist, da Young einmal sagte, es sei ihm am wichtigsten, wie seine Musik „in 30 oder 40 Jahren gesehen“ wird.

Young veröffentlichte in den 70er Jahren neun Soloalben, seine Veröffentlichungen mit der Band Crazy Horse nicht eingerechnet. Acht seiner elf Billboard-Hits als Solokünstler stammten aus diesem Jahrzehnt, wobei „Heart of Gold“ 1972 den ersten Platz erreichte. Sein zweithöchster Chartsong lag bei 31. Wie in einem von Fred Schruers für Youngs Einführung in die Rock & Roll Hall of Fame verfassten Aufsatz berichtet, war Young nach „Harvest“ von der Mainstream-Musik desillusioniert und sagte, er sei „in den Graben gegangen“, wo es „interessantere Leute“ gäbe. Von da an kultivierte Young ein einzigartiges Werk, das die düstereren Orte auslotete und dennoch mit Songs wie „Like a Hurricane“ aus dem Jahr 1977 wieder rockte.

Susan Lacy, Emmy-prämierte Schöpferin und ausführende Produzentin von „American Masters“, lobte ihn mit den Worten: „Es lässt sich nicht leugnen, dass Neil Young die kompromissloseste Rockkönigin der Musik ist. Er ist ein respektloser Dichter mit einem Rock’n’Roll-Herz. Seine Musik verkörpert den Bogen amerikanischer Erfahrungen, fordert maßgebliche Ansichten heraus, widersetzt sich den Schubladen der Branche und übt weiterhin einen Einfluss auf Musiker und Fans auf der ganzen Welt aus” (via PBS).

David Bowie war eine andere Art von Musiker als die anderen auf dieser Liste, da sein künstlerisches Schaffen über das Songwriting hinausging und einen starken Schwerpunkt auf Bühnenauftritten und dem Überschreiten der Grenzen konventioneller Identität legte. Bowie war in den 70er Jahren produktiv und veröffentlichte elf Studioalben, darunter „The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars“, „Aladdin Sane“ und seine sogenannte Berlin-Trilogie „Low“, „Heroes“ und „Lodger“.

Während die anderen Künstler auf dieser Liste sehr mit der Zeit beschäftigt waren, in der sie ihr Leben erlebten, blickte Bowie nach vorne und stellte sich vor, was sein könnte. Seine Furchtlosigkeit im Namen des Experimentierens brachte ihm ein Publikum aus Fans und Kritikern gleichermaßen ein, das immer neugierig war, was er als nächstes tun würde. Time schrieb: „Die 70er bleiben Bowies visionärste Ära, die Zeit, in der er sich als Nostradamus des modernen Pop etablierte“, und zwar wegen der Art und Weise, wie er den kommenden Identitätstrends voraus zu sein schien und der Art und Weise, wie wir über Dinge wie soziale Medien unser Selbstbild für die heutige Welt kuratieren.

Seine Musik hatte ähnliche Qualitäten. Robert Hilburn schrieb für die Rock & Roll Hall of Fame: „Bowie produzierte einige der eindringlichsten und berührendsten Musikstücke der modernen Pop-Ära. Bowie schrieb über die gruseligen Monster in seinem eigenen Leben in einer Gesellschaft, die ihre Werte neu überprüfte, und ließ fast jeden wichtigen Trend im Pop ahnen – von der geschlechtsspezifischen Verwirrung der Glitzer-Ära bis zur seelensuchenden Entfremdung des 90er-Jahre-Rock.“