Bei Annecy nächste Woche, Der Geigereine ambitionierte Asien-Europa-Koproduktion unter der Regie von Ervin Han und Disney-Veteran Raúl García, wird im offiziellen Wettbewerb des Festivals seine Weltpremiere feiern.
Produziert von Robot Playground Media aus Singapur, TV ON Producciones aus Spanien und Altri Occhi aus Italien. Cartoon-Gebräu hat exklusiven Zugang zum ersten Teaser des umfassenden historischen Dramas erhalten.
Der Geiger ist ein jahrzehntelanges historisches Drama, das zwei Kindheitsfreunden folgt, deren Leben von Krieg, Trennung und einer lebenslangen Verbindung zur Musik geprägt ist. Der fast acht Jahrzehnte umfassende Film beginnt in Singapur vor dem Zweiten Weltkrieg und spielt vor dem Hintergrund der japanischen Besatzung und der dramatischen sozialen und politischen Veränderungen, die darauf in ganz Südostasien folgten. Im Mittelpunkt steht die Geschichte von Fei und Kai, zwei begabten jungen Musikern, deren gemeinsame Liebe zur Geige noch lange anhält, nachdem die Geschichte sie auf unterschiedliche Wege geführt hat.
Das Projekt markiert einen Meilenstein für die Animation in Singapur. Es ist der erste Zeichentrickfilm des Landes seit mehr als fünfzehn Jahren und die erste offizielle Koproduktion zwischen Singapur und Spanien. Zusammenführung von Künstlern aus ganz Südostasien und Europa, Der Geiger vereint handgezeichnete Animationen, CG-verstärkte Versatzstücke und eine kraftvolle Originalmusik von Ricky Ho und Isabel Latorre.
Vor dem Annecy-Debüt sprachen wir mit Han und García über die ungewöhnliche internationale Produktion des Films, seinen historischen Schauplatz und die Herausforderung, eine Geschichte zu schreiben, in der Musik genauso wichtig ist wie jede Figur auf der Leinwand.
Cartoon Brew: Können Sie etwas über die Struktur der Koproduktion sagen? Es ist ungewöhnlich, eine Koproduktion von Spielfilmanimationen zwischen Singapur und Europa zu sehen, insbesondere in dieser Größenordnung.
Raul Garcia: Es war von Anfang an kompliziert, da es sich um die erste Koproduktion zwischen Spanien und Singapur handelt. Singapur ist ein kleines Land und es ist sehr schwierig, einen Spielfilm allein zu finanzieren. Wir wussten, dass wir ein großartiges Projekt hatten und es gemeinsam verwirklichen wollten, aber eine Koproduktion ist nie einfach.
Als immer mehr Länder hinzukamen, mussten wir herausfinden, wie wir die Arbeit nahtlos aufteilen konnten. Wir konnten nicht dafür sorgen, dass das Publikum Veränderungen im Stil oder Unterschiede im Verhalten der Charaktere bemerkte. Glücklicherweise erstreckt sich Ervins Drehbuch über Jahrzehnte und mehrere Drehorte, sodass wir natürliche Möglichkeiten hatten, Sequenzen verschiedenen Teams zuzuweisen. Bestimmte Zeiträume und bestimmte Orte könnten von verschiedenen Partnern gehandhabt werden und sich dennoch wie ein zusammenhängender Film anfühlen.
Wie haben Sie sich kennengelernt und wie lange war dieses Projekt schon in der Entwicklung?
Ervin He: Ich war 2013 Mitbegründer von Robot Playground Media. Der Traum bestand immer darin, lokale Geschichten durch Animationen zu erzählen und schließlich einen animierten Spielfilm zu machen. Singapur verfügt über eine Animationsindustrie, die sich jedoch hauptsächlich auf Serien- und Servicearbeiten konzentriert. Es hat nicht wirklich eine Spielfilmkultur gegeben.
Ich begann zu schreiben Der Geiger am Neujahrstag 2017. Es regnete und ich erinnere mich noch daran, wie ich mich zu Beginn hinsetzte. Ich wollte, dass es in unserem ersten Feature darum geht, wer wir sind und woher wir kommen.
Ich habe Raúl vor sieben oder acht Jahren in Singapur kennengelernt. Wir haben uns sofort verstanden. Was ihn meiner Meinung nach an dem Drehbuch faszinierte, war, dass es tief in der südostasiatischen Geschichte und Kultur verwurzelt war, es aber auch eine universelle Geschichte über Menschen und Beziehungen war. Da es unser erster Spielfilm war, wusste ich, dass ich jemanden mit Erfahrung brauchte, der mir bei der Führung eines jungen Teams helfen konnte. Raúl an Bord zu holen war eine der besten Entscheidungen, die wir getroffen haben.
García: Als ich anfing, am Lasalle College of the Arts in Singapur zu unterrichten, versuchte ich, jeden kennenzulernen, der dort im Bereich Animation arbeitet. Wir wurden durch gemeinsame Freunde kennengelernt und fühlten uns sofort verbunden.
Ervin zeigte mir einige seiner Kurzfilme über Orte in Singapur, die es nicht mehr gibt. Ich habe ihm immer wieder gesagt, dass diese Geschichten ein größeres Publikum verdienen würden. Dann zeigte er mir eine frühe Version davon Der Geigerund es war offensichtlich, dass dies kein Kurzfilm war. Es brauchte eine größere Leinwand.
Das Leben in Singapur machte mich auch neugierig auf eine Geschichte, über die ich nur sehr wenig wusste. All diese Dinge kamen in diesem Projekt zusammen.
Der Film ist unglaublich ehrgeizig. Es umfasst Jahrzehnte, mehrere Länder und wichtige historische Ereignisse. Hat diese Größenordnung bei der Entwicklung des Projekts zu Herausforderungen geführt?
Er: Absolut. Aber von Anfang an haben wir nicht versucht, einen historischen Dokumentarfilm zu machen. Der Film basiert auf realen Ereignissen, aber es geht in Wirklichkeit darum, wie Menschen Geschichte erleben und sich daran erinnern.
Geschichte wird durch Freundschaften, Verluste, Liebe und Musik gelebt. Wir wollten, dass das Publikum diese Dinge spürt, anstatt nur Fakten zu erfahren. Im Zentrum steht diese Beziehung, die sich über Jahrzehnte hinweg entfaltet. Die Geschichte handelt von Erinnerung, Identität, Unabhängigkeit und Selbstfindung, aber letztendlich geht es um zwei Menschen, die ihren eigenen Weg durchs Leben finden.
Für mich ist das Leben weder glücklich noch traurig. Es ist bittersüß. Das ist die emotionale Wahrheit, die wir einzufangen versuchten.
García: Musik ist eigentlich der dritte Protagonist des Films. Es ist das, was diese Menschen zusammenhält. Durch die Musik erleben wir ihr Leid, ihre Träume und ihre Hoffnungen. Es wird zum emotionalen Faden, der sich durch die gesamte Geschichte zieht.
Der Film erforscht einen Teil der Geschichte des Zweiten Weltkriegs, den viele internationale Zuschauer möglicherweise nicht kennen. Wie wichtig war dieser Aspekt des Projekts?
Er: Wenn wir zu Märkten in Europa oder Nordamerika reisen, werden wir oft daran erinnert, dass viele Menschen nicht wissen, dass Südostasien vor dem Krieg Jahrhunderte lang unter Kolonialherrschaft stand.
Diese Hinterlassenschaften sind in der Architektur, den Rechtssystemen und der Kultur in der gesamten Region noch immer zu sehen. Es ist eine komplizierte Geschichte, manchmal schmerzhaft, aber immer faszinierend. Hoffentlich stellt der Film dem Publikum auf der ganzen Welt etwas von dieser Geschichte vor.
García: Aus westlicher Sicht ist unser Verständnis des Zweiten Weltkriegs weitgehend von amerikanischen und europäischen Narrativen geprägt. Wir kennen Pearl Harbor und Hiroshima, aber ein Großteil Südostasiens bleibt ein weißer Fleck.
Was mich interessierte, war, Gesichter und Kultur hinter diese Ereignisse zu setzen. Letztendlich erzählen wir eine Liebesgeschichte, aber wenn wir sie in diesen historischen Kontext stellen, erhält sie mehr Gewicht und Bedeutung.
Einige der größten Momente des Films kombinieren handgezeichnete Animationen mit CG-Umgebungen und anspruchsvollen Kamerabewegungen. Wie sind Sie an dieses Gleichgewicht herangegangen?
García: Wir haben uns entschieden, den Film hauptsächlich in 2D zu drehen, weil es zur Geschichte und ihrem emotionalen Ton passte. Gleichzeitig gibt es Sequenzen, die etwas Größeres erfordern.
Das Finden der Balance zwischen 2D-Animation und 3D-Umgebungen erforderte viel Experimentieren. Wir mussten herausfinden, wie weit wir jede Technik vorantreiben konnten, ohne die visuelle Sprache des Films zu zerstören.
Er: Wir wussten, dass es mehrere wichtige Versatzstücke gab, die den Film verankern würden. Die erste Luftangriffssequenz entstand beispielsweise mit Studio Igloo in Thailand. Eine weitere große Actionsequenz wurde von einem vietnamesischen Studio gedreht.
Ich bin sehr stolz darauf, dass wir mit Künstlern in ganz Südostasien zusammenarbeiten konnten. Diese größeren Kamerabewegungen und CG-lastigen Momente wurden sparsam eingesetzt. Da sie nur in Schlüsselmomenten erscheinen, haben sie eine größere Wirkung.
In einigen Fällen haben wir sogar die Musik aus diesen Szenen entfernt und uns ausschließlich auf das Sounddesign verlassen. Wir wollten, dass das Publikum spürt, was auf dem Spiel steht.
Wie Sie sagten, spielt Musik in dem Film eine enorme Rolle. Wie haben Sie es geschafft, eine Partitur zu erstellen, die Ihren Vorstellungen von dieser dritten Hauptfigur entspricht?
Er: Wir wussten immer, dass es eine zentrale Violinsonate geben würde, die die Charaktere verbindet. Fei und Kai verbringen einen Großteil des Films getrennt, aber die Musik hält sie in Verbindung.
Parallel dazu entwickelt sich die Sonate. Am Anfang wirkt es hoffnungsvoll und jugendlich. Am Ende, nach einem Leben voller Suche, Trauer und Selbstfindung, bedeutet es etwas ganz anderes.
Wir haben mit zwei wunderbaren Komponisten zusammengearbeitet. Ricky Ho komponierte den Großteil der Originalmusik, während Isabel Latorre eine andere Perspektive aus Spanien einbrachte. Musik ist wirklich die Seele dieses Films. Es ist sowohl Teil der Welt der Geschichte als auch Teil des emotionalen Geschichtenerzählens selbst.
Ich denke, Animation eignet sich hervorragend für eine Geschichte wie diese. Das Medium ermöglicht es der Musik, Emotionen auf eine Weise zu transportieren, die in Live-Action viel schwieriger zu erreichen wäre.
García: Ricky und Isabel brachten östliche und westliche Musiktraditionen zusammen. Das spiegelt die größere Idee hinter dem Film wider. Musik ist eine universelle Sprache, die jenseits von Krieg, jenseits von Grenzen und jenseits von Konflikten existiert.
Das visuelle Design scheint von Anime beeinflusst zu sein, aber es fühlt sich nie so an, als würde es Anime imitieren. Wie haben Sie den Look des Films entwickelt?
García: Wie beim Produktionsaufbau wollten wir europäische Sensibilitäten mit Einflüssen japanischer Animationsfilme kombinieren. Das Ergebnis liegt irgendwo dazwischen.
Jede Geschichte braucht ihre eigene visuelle Identität. Es ging uns nicht darum, einen Stil zu kopieren. Wir haben versucht, den Stil zu finden, der zu dieser Geschichte passt.
Es gibt sogar unterschiedliche Ansätze innerhalb des Films. Die historischen Montagesequenzen verwenden eine Bildsprache, die eher an historischen Illustrationen und Veröffentlichungen aus der Kriegszeit orientiert ist.
Er: Wir haben nicht versucht, eine einzelne Tradition nachzuahmen. Anime war sicherlich ein Einfluss, insbesondere in Bezug auf Ausdruckskraft und Nuancen. Aber wir wurden gleichermaßen von europäischen Filmemachern und Künstlern inspiriert.
Es ist tatsächlich ein ruhigerer Film, als die Leute vielleicht erwarten. Musik dient in außergewöhnlichen Umständen als Anker, als Quelle des Trostes und der Würde. Diese emotionale Zurückhaltung beeinflusste viele unserer visuellen Entscheidungen.
Ein herausragendes Detail ist die präzise Animation der Geigenspiele.
García: Wir waren besessen davon. Wir wollten, dass die Geschichte authentisch ist, aber wir wollten auch, dass sich die Musik authentisch anfühlt.
Wir haben eine eigene Einheit geschaffen, deren einzige Aufgabe darin bestand, Geigendarbietungen zu animieren. Die Fingerpositionen mussten zur Musik passen. Wir wollten, dass die Musiker, die den Film sahen, glaubten, was sie sahen.
Zu oft sieht man in Animationsfilmen oder sogar Live-Action jemanden, der ein Instrument spielt, und die Hände passen nicht zu den Noten. Das wollten wir komplett vermeiden.
Er: Wir hatten ein Team in Singapur, das etwa anderthalb Jahre lang an der Geigenanimation arbeitete. Als sie anfingen, spielte keiner von ihnen tatsächlich Geige. Wir hatten Geigen im Studio und verbrachten enorm viel Zeit damit, Aufführungsreferenzen zu studieren.
Der Film heißt Der Geiger. Wir wussten, dass wir es richtig machen mussten.
