„Ich sage nicht, dass Verité per se tot ist“, sagte Dylan Redford, Mitschöpfer von „Neighbors“, kürzlich gegenüber IndieWire, aber die Idee eines „reinen Subjekts“, unabhängig davon, wie sie im Film wahrgenommen werden, könnte „Angesichts der Welt, in der wir jetzt leben, und der Aufmerksamkeit der Kamera, in der jeder sich selbst und den anderen dokumentiert.“
Die HBO-Serie von Redford und Harrison Fishman, ein herausragender Emmy-Anwärter auf das Unstructured Reality Program, der beide Seiten von Wohnungsstreitigkeiten im ganzen Land dokumentiert, basiert auf viralen Nachbarschaftsstreitvideos, die von den Probanden selbst aufgenommen und gepostet wurden. „In gewisser Weise versuchen wir verzweifelt, mit einem Großteil ihres eigenen Materials dorthin zu gelangen, wo sie bereits sind, weil sie einfach allein in ihrem persönlichen Bereich sind und in die Kamera sprechen“, sagte Redford. „Wir können mit dem Maß an Intimität, das ein Motiv mit seinem Telefon und seiner Kamera hat, nie ganz mithalten. Das Beste, was wir tun können, ist, das einfach zu nutzen und es zu einem Teil der Sprache der Show zu machen.“
Diese Sprache ist sehr nützlich, daher liegt Filmmaterial von GoPros, 360°-Kameras und sogar Ring-Sicherheitssystemen auf dem Tisch. „Wir wollen uns einfach voll und ganz darauf einlassen, wie zeitgemäß und amerikanisch unsere Show ist. Und jede Chance, die wir – fast unentgeltlich – wahrheitsgetreu zeigen können, wie Menschen Menschen überwachen und wie sich Menschen zeigen, freut uns wirklich sehr“, sagte Fishman.
„Ein Teil des Versuchs, die Show wirklich relevant erscheinen zu lassen, besteht auch darin, nicht gegen die Vorstellung anzukämpfen, dass unsere Probanden sich der Kamera bewusst sind und ihr eigenes Objektiv haben, das sie verwenden“, sagte Redford. „Dann wird es fast eher zu einer Zusammenarbeit, weil sie einfach wissen, was wir tun. Sie sind nicht naiv, wenn es darum geht, eine Geschichte zu erfinden und mit der Kamera zu sprechen. Und so ist es ein kollaborativerer Ansatz als es in der Vergangenheit eine eher klassische Verité-Sache war, denn ich glaube einfach nicht, dass man diese Art von absoluter Reinheit mehr so gut erreichen kann.“
Das Filmmaterial der Teilnehmer ist wichtig, weil es „unsere Show tief in das reale Gefüge des Lebens dieser Menschen einbettet. Und es unterstreicht auch nur noch mehr, dass diese Show real ist und man online gehen und ihre Profile finden und alle die gleichen Videos ansehen kann, die wir in der Show verwendet haben, oder mehr ansehen, die wir nicht gesehen haben“, fügte er hinzu.
Auch wenn es eine ganz andere Sichtweise auf wahre Kriminalität ist, da „Neighbors“ eher ins komödiantische Absurde tendiert, bis zu dem Punkt, an dem man vergessen kann, was der auslösende Verstoß überhaupt war, stützt sich der Netflix-Film „The Crash“, ein herausragender Dokumentarfilm oder Sachbuch-Special, auf den Emmy hofft, in ähnlicher Weise auf Filmmaterial, das von seinem eigenen Subjekt aufgenommen wurde, um seine Geschichte zu erzählen.
Der von Gareth Johnson inszenierte und von Angharad Scott produzierte Dokumentarfilm wirft einen genaueren Blick auf den Fall der Teenagerin Mackenzie Shirilla aus Ohio, die derzeit wegen Mordes im Gefängnis sitzt, und basiert teilweise auf Überwachungsaufnahmen von ihrem Autounfall, bei dem die Passagiere Dominic Russo, ihr Freund, und Davion Flanagan, sein Freund, getötet wurden.
„Sie hatte keine Zustimmung zu dem, was in den Dokumentarfilm aufgenommen wurde, aber offensichtlich hat sie uns Material zur Verfügung gestellt, um ihre Seite der Geschichte zu erzählen, und als Filmemacherin ist es so wichtig, dass die Leute das tun, damit wir diese Geschichten auf diese Weise machen können“, sagte Scott.
Johnson erklärt, dass die Verwendung von Filmmaterial direkt vom Motiv die Notwendigkeit einschränkt, dramatische Nachstellungen zu drehen, eine schwindende Ausprägung des wahren Kriminalgenres, die tatsächlich bei Nacherzählungen des Shirilla-Falls verwendet wurde. Allerdings „muss man vorsichtig sein. Wir haben immer sehr vorsichtig damit umgegangen, wie wir es verwendet haben, und man konnte es auf eine sehr unverblümte Art und Weise verwenden, indem man nur Ideen oder ähnliches illustrierte, oder es ist sicherlich sehr einfach, ein negatives Bild von irgendjemandem zu zeichnen, möglicherweise mit all dem Filmmaterial, das er in seinem Telefon hat“, sagte der Regisseur. „Wir haben versucht, das nicht zu tun und zu versuchen, eine echte Person und ein wirkliches Leben zu zeigen, aber gleichzeitig ist das auch komplex, weil sie auch sehr damit beschäftigt war, der Welt eine Version von sich selbst zu präsentieren.“
Der Film selbst zeigt ein Beispiel dafür, wie eine Person durch ihr eigenes Filmmaterial ins Bein geschossen werden kann: Einer von Shirillas TikToks mit dem harmlosen Soundtrack „Bubblegum Bitch“ von Marina and the Diamonds, der auf der Plattform zu einem viralen Sound geworden war, wurde vor Gericht als Beispiel dafür verwendet, dass sie keine Reue für ihre Taten hatte und daher eine härtere Strafe verdiente. Die Szene beleuchtet einen generationsübergreifenden Dialog darüber, inwieweit das, was jemand auf seinem Social-Media-Konto postet, eine authentische Darstellung seiner selbst ist. Aus der Sicht des Filmemachens zeigt es aber auch, dass die Tatsache, dass ein Motiv das Filmmaterial selbst aufgenommen hat, nicht automatisch bedeutet, dass es ihn im schmeichelhaftesten Licht präsentiert.
Dies gilt insbesondere für das selbst in Auftrag gegebene Filmmaterial, das Regisseur Alex Stapleton in „Sean Combs: The Reckoning“ einstreute, einem Spitzenkandidaten für eine Emmy-Nominierung für eine herausragende Dokumentar- oder Sachbuchserie. „Das Filmmaterial war eines dieser seltsamen Dinge, die beim Dokumentarfilmen passieren, wenn einem diese verrückten Dinge in den Schoß fallen“, sagte die Filmemacherin, die bereits mit der Bearbeitung ihrer Netflix-Serie über die privaten Heldentaten des Musikmoguls, besser bekannt als Diddy, beschäftigt war, als sie stundenlanges Filmmaterial von ihm in seiner letzten Woche in Freiheit erhielt.
Auch wenn es ein großer Dreh- und Angelpunkt für das Projekt gewesen wäre und eine ganze Nacht lang das gesamte Filmmaterial durchgesehen hätte, habe Stapleton „viel über seine Persönlichkeit und mehr über die Nuancen dessen, wer Sean ist, bewiesen“, sagte sie. „Die Leute können darüber reden, dass er so ist und so ist, aber bis man sieht, was er sagt, wenn er in Harlem ins Auto steigt, denkt man, dass er es einfach schaffen wird.“ [make sure] Niemand wird jemals diesen Teil von ihm sehen, das war für einen Dokumentarfilmer sehr wertvoll, das zum Ausdruck bringen zu können.“
Als Stapleton einen Dokumentarfilm über den Mann drehte und versuchte, seine Vorgeschichte missbräuchlichen Verhaltens zu verstehen, war er natürlich sehr daran interessiert, Combs zu interviewen, aber „Ich hatte das Gefühl, dass ich etwas noch Besseres bekam. Ich habe eine echte Erfahrung mit ihm gemacht“, sagte sie. „Und dann lautete die Herausforderung: ‚Okay, wie zum Teufel integrieren wir das in eine vierstündige episodische Struktur, in der wir es in die historische Zeitlinie, an der wir gearbeitet haben, einbinden und verflechten können, und dann in die Zeitlinie all der anderen Dinge, die wir mit Opfern aus verschiedenen Epochen von Seans Karriere in seinem Leben entwickeln?‘“
Die Filmemacher hinter „Sean Combs: The Reckoning“, „The Crash“ und „Neighbors“ sprachen alle über die Herausforderung, Filmmaterial aufzunehmen, das das Motiv aufgenommen hat, und dann den richtigen Kontext dafür bereitzustellen. „Wir wollten uns wirklich auf Seans Beziehung zu den Medien und auf Sean vor der Kamera konzentrieren, und auch auf eine Persönlichkeit, die, wenn er die Mittel hat, sich immer selbst filmt“, sagte Stapleton über ihre Absicht hinter der Verwendung des Filmmaterials, das Combs von Leuten anfertigen ließ.
Da die Kameras zu diesem Zeitpunkt für ihn funktionierten, „gibt es ein gewisses Maß an Sicherheit: ‚Nun, ich weiß, dass sie diesen Teil des Gesprächs nicht nutzen werden‘, und ich denke, dass er als Produzent und Star und als jemand, der vor der Kamera steht, die Regler sehen konnte“, sagte sie. „Sie werden in ihn und seinen Prozess der Herstellung der Realität eingeweiht“, fügte Stapleton hinzu. „Es gibt Dinge, die verrückt sind, aber ein großer Teil der Kraft liegt dazwischen, in dem, was nicht gesagt wird oder in den Dingen, die man einfach nicht verstehen würde, wenn man nicht verstehen würde, wer dieser Mann war und in welcher Zeitspanne seine Prioritäten lagen.“
Was „The Crash“ im Vergleich dazu so faszinierend macht, ist, dass Johnson und Scott ein Interview drehen konnten mit ihr Thema Shirilla. „Die Leute werden es wirklich faszinierend finden, sie zu beobachten, ihre Augen direkt, sie spricht in ihrem Interview direkt in die Kamera und zu versuchen, sie zu lesen. Das tue ich immer noch jedes Mal, wenn ich mir den Film ansehe“, sagte Johnson. Aber während die von ihnen verwendeten Social-Media-Clips, die gedreht wurden, bevor Shirilla überhaupt eine Vorstellung von ihrem Leben hatte, als Grundlage für einen Dokumentarfilm dienten, wird ihr Interview für den Film eher als Lebensader dargestellt, mit der sie versucht, an ihre Überzeugung zu appellieren. „Sie haben die Unmittelbarkeit der sozialen Medien, die Videos und die Nachdenklichkeit der Interviews“, sagte der Regisseur. „Es ist eine starke Kombination.“
Scott stimmte zu: „Das ist meiner Meinung nach der wahre Zauber, denn man kann eine tiefergehende Analyse führen, eine tiefergehende Diskussion führen, aber man sieht in den sozialen Medien immer noch die Wahrheit über diese Person.“ Das Gleiche gilt für „Nachbarn“. „Wenn unsere Kameras da sind, bringen wir etwas anderes hervor, das ebenfalls besonders, einzigartig und authentisch ist“, sagte Redford. „Es wäre ein Fehler zu glauben, dass jemandes Beichtstuhl, den er auf seinem Handy für sein TikTok filmt, realer oder authentischer ist als ein ‚dokumentarisches‘ Interview, das wir mit ihm im Auto führen. Sie machen unterschiedliche Dinge.“
Gegen Ende von „The Crash“ gibt es einen herausragenden Moment, in dem Shirilla ihren Anwalt um Feedback bittet, nachdem sie eine der letzten Fragen des Regisseurs beantwortet hat. „Für das Publikum war es auch wichtig, die Umstände des Interviews zu kennen. Offensichtlich handelt es sich um ein Interview, das sie verstehen werden, aber sie ist immer noch dabei, Berufung einzulegen, kämpft immer noch gegen die Verurteilung, und der Anwalt war wirklich da und es ist meiner Meinung nach ein wahrheitsgetreues Stück Dokumentarfilmproduktion“, sagte Johnson über die Entscheidung, die Metaszene einzubeziehen, die die Diskussion darüber fördert, welches Filmmaterial die authentischste Version eines Dokumentarthemas darstellt. „Ich denke, dieser Moment offenbart wirklich, was sie denkt, und Sie können das interpretieren, wie Sie wollen. Finden Sie das seltsam oder verdächtig, doppelzüngig? Ich würde überhaupt niemandem sagen, was er da hineininterpretieren soll“, sagte er.
„Der Kontext ist ein wirklich großer Teil des Dokumentarfilmprozesses. Und ich denke, es ist immer eine Tragödie, wenn man das nicht ausarbeitet“, sagte Stapleton. „Sie sollten Ihr Publikum niemals unterschätzen und niemals denken, dass ein Publikum es nicht verstehen kann.“